EXISTENCIALIDAD Y ARTE

 

¿El arte es representación real?

Dentro del arte podemos encontrar muchas definiciones que podrían o no hablarnos acerca de una realidad en el arte. Si bien es cierto, dentro del arte encontramos un mensaje que el emisor ha querido enviar al emisor, puede que en el camino cambie la idea. 

Es por esta que el arte es una representación de la perspectiva de todo lo que podemos visualizar en nuestro al rededor y la visualización que tengamos de todo nuestro entorno y es allí donde una representación artística puede volverse real a lo subjetivo.

El arte por ello lo podríamos clasificar en sí como una mimesis que es la capacidad de imitar, desarrollar un conocimiento que puede estar sujeto o permeado de una esencia de la realidad. Es por esto, que la relación con la obra es un encuentro de dos mundos que necesitan integrarse, ya que aquí hablamos del transmisor del mensaje en sí y el receptor. 

De alguna forma, el arte es visto como desafío para la comprensión, debido a que la obra es la interpretación del mundo en sí

Lo pulido en el arte

Podemos observar lo pulido como la solución a lo bello, porque es aquello sin mancha alguna que es totalmente perfecto y simplemente causa reacción netamente positiva en el espectador, aquello a lo que podríamos llamar "me gusta". De cierta forma lo pulido dentro de arte nos invita plenamente a amoldarse y no resistir incitando al observador a acercarse y tocar, no obstante, si hablásemos del tocar como un proceso de lo pulido, este dejaría de serlo. 

Porque el tacto es el mayor desmitificador de los sentidos y aunque lo especial del arte es la negatividad, la capacidad de reflexión y criticidad ante una obra, vemos que el arte se opone a la positividad de lo pulido; dando de esta forma una caída fuerte al cuestionamiento, ya que lo pulido necesariamente tiene que agradar, pero más allá de agradar no nos da ninguna respuesta concreta o una posibilidad de que se desarrolle lo distinto porque todo debe ser totalmente igual. 

Dentro de lo pulido podemos ver los diferentes aparatos o dispositivos que son finamente realizados, con medidas y procedimientos iguales de perfección, olvidando o dejando de lado la negatividad de lo distinto. 

Estética del encubrimiento

Contrapone lo bello como opacidad a lo pornográfico, donde ya no hay nada que ver. Lo bello duda, necesita el pathos de la distancia, vacila al manifestarse, juega en esa tensión de aparecer-no aparecer. Sin encubrimiento no hay belleza, hay pornografía. En la Estética de la vulneración se centra en la negatividad de la herida y de la percepción. Ver de forma distinta significa, en cierto sentido, sentirse vulnerable. La herida, para el filósofo coreano, es «el momento de verdad que encierra el ver»1 . Profundiza en la experiencia del verse conmocionado y la articula a través de dos elementos de la fotografía que Roland Barthes apunta en su libro La cámara lúcida, el studium y el punctum. El primero es el vasto campo de informaciones de la fotografía, el segundo es aquel que nos hiere, que no espera a que lo busquemos, sino que viene a por nosotros y nos estremece. (estetica , 2016)

Conforme a lo que hemos presentado en la el párrafo, podríamos decir que la estética de todo aquello que es bello necesita necesariamente de un encubrimiento para que de esa forma pueda haber una magia, ya que como un ejemplo clave tenemos la pornografía, como información que es netamente transparente y desmitifica todo aquello que puede ser bello con imágenes que le quitan la magia al disfrute y permeación de sensaciones a la vista del  espectador. 

Para ello también es importante hablar del autoconocimiento como la imagen que modifica y cambia la perspectiva de la realidad y la belleza real, ya que lo ideal para la estética es la expresión de las ideas morales. 

Belleza como verdad

Dentro de la belleza como verdad tenemos lo bello de todo lo que no es igual, que abarca una libertad de expresar lo que se quiere transmitir y es allí donde el sujeto logra comprender desde la existencia desinteresada de la obra en sí misma, la bella busca la presión máxima de las ideas morales y una idea normal simplemente podría referirse a una convención cultural sin ningún carácter o belleza de esa forma Aristóteles nos habla de tres tipos de libertad: 

1. La vida enfocada en disfrutar las cosas bellas 

2. La vida produce actos bellos en la polis 

3. La vida contemplativa es la belleza perfecta 

La belleza puede ser vista igual a la justicia, ya que el ser humano es totalmente libre de visualizar la obra en sí o en su defecto la vida, para así tener una perspectiva que lo pueda hacer feliz ya que ante la ausencia del deseo se detiene en el tiempo. Esto se debe a que la vista o el ojo es aquel que consume todo lo que está dentro de nuestro entorno. 

El ideal de lo bello

Se decide afrontar el reto de revisar minuciosamente la tradición conceptual que da cuenta de la experiencia artística, analiza los estímulos y las facultades intelectuales que intervienen en la conformación del gusto como origen de la experiencia del arte; explica el placer y el dolor que esta última suscita en el espectador; reconfigura el lugar que le corresponde al sentimiento de lo bello, lo sublime y lo grotesco en la sociedad; establece las pautas que regulan la actividad del artista o el genio; ordena la experiencia del arte en relación con otras esferas del espíritu, tomando en cuenta las pautas y límites que ha concebido para ellas en sus obras anteriores; finalmente, explica el gusto como la facultad que juzga lo bello. Este solo es comprensible mediante un juicio de gusto. (Jorge, 2007)

Dentro del arte existe todos aquellos acontecimientos que tienen una temporalidad que nos permite visualizar el arte desde una forma emocional y partiendo de ello podemos llegar a experimentar distintas emociones que pueden llevarnos a un instante dentro de la belleza que llega de golpe y la posibilidad de una experiencia estética donde el ser humano logre no solo dar un análisis, sino que también caracterizar toso aquello que podría o no parecerle bello. 

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SALIDA DE CAMPO

 

Mar de leva - Hernando del villar 

Quiero poner mi punto de vista sobre esta obra, ya que desde que ingrese impacto de forma positiva, porque me parece interesante como el autor de la obra realiza a mi parecer un estudio minucioso de como puede ser el momento de las olas cuando se alejan, siento que también nos propone un reto de comprensión en cuanto a los colores y texturas que maneja dentro de la pintura. Sin embargo, nos permite visualizar un concepto bastante importante del movimiento de las olas, de una forma un tanto subjetiva para el espectador. 

También por su parte hace uso de la ontología en mi percepción para poder retratar de manera eficaz el movimiento de las olas del más, ahora dentro de lo que podemos abordar en sensaciones creo que es una obra que transmite tranquilidad y fácilmente podría transmitirle al espectador un sentimiento que podríamos catalogar como placentero, bello o feo si es tomado como una tempestad. 

Es por ello que, recapitulando todo lo anteriormente escrito, creo que esta obra es arte, ya que no solo transmite, sino que permite ver un concepto claro hacia el espectador del estudio de su propio entorno y la naturaleza misma. 

Caja elemental - Bernardo Salcedo

Pienso que con respecto a esta obra planteada no podría concebirla con arte en mi percepción, porque en mi perspectiva desde que la observe trate de buscarle un significado en donde fuera posible tener una experiencia significativa con la obra no fue posible, pienso que no una estética ni una racionalidad en cuanto a la forma de presentar la obra, ya que no me cuenta algo en particular y tampoco me permite observar a fondo que mensaje o estudio pudo realizar el artista para llevar a cabo el trabajo propuesto. 

 

ARTE Y VERDAD

 ¿El arte es representación real?

La obra "Mar nublado" de María Gallego

El arte puede tomarse como una representación de lo real, ya que en muchas de sus obras muestran la realidad o el estudio de una cosa o simplemente un objeto que se retrató en forma de arte. Ahora el arte es visto como el proceso de mimesis o imitación que reproduce el ser humano en una obra de arte, observando todo lo que se encuentra a su alrededor. 

Es importante destacar que por medio de este proceso el arte repite un conocimiento para ampliar su concepto y además de ello representar una realidad; la obra también se encarga de descubrir lo que está escondido para representarlo como una realidad. 

¿La similitud en el arte es lo verdadero?

La similitud en el arte desarrolla un grado de similitud, gracias al estudio de nuestro entorno (naturaleza) y trata de retratarlo de la forma más real posible. 

Sin embargo, en lo que a mí respecta pienso que el arte es subjetivo y al mismo tiempo significativo, pues no siempre se retrata la realidad de la forma en la que el pintor lo ve y eso no quiere decir que no sea verdadero, simplemente se encuentra hallando su camino por medio del estudio de la obra y deja volar su creatividad para así poder sacar un producto en donde las personas puedan interpretarlo reinterpretar una obra. 

¿Cómo se define la verdad artística?

La verdad artística es posible definirla como la comunicación de una realidad que podemos ver a simple vista o que puede encontrarse escondida, la verdad es la esencia de la realidad por medio del arte y es por ello que las obras nos retan con un desafío de comprensión. 

¿La verdad estética es creada por el arte?

Pienso que la estética es una forma de retratar el mundo desde una perspectiva en la cual el ser humano hace estudio de cosas que pueden estar dentro de lo bello o lo feo del arte. 

Sin embargo, permite al ser humano tener una interpretación abierta del mundo y la estática del mismo. No obstante, yo creo que la estética no fue formada en un 100% del arte, sino también de todas aquellas vivencias o cosas que el ser humano clasifica como buenas o malas. 

¿La veracidad en el arte es su existencia Cosal?

Si debido a que hay una relación ontológica entre lo que podríamos llamar la imagen y estudio de ella en general, lo que puede producir una interpretación de cada cosa que podamos visualizar a nuestro alrededor. 

El estudio de la naturaleza también le permite al individuo hacer un estudio más a fondo que le permita dar una interpretación a esa realidad que observa diariamente. 

¿La verdad artística está en su unicidad?

Según lo que plantean algunas personas, no está, ya que las obras son las que en muchas ocasiones son generadas como la copia, por lo tanto, perdería la calidad de ser única. Sin embargo, en esa estricta relación de la copia se encuentra el estudio ontológico, donde la obra es un encuentro de dos mundos que necesitan juntarse. 

Además, el hecho de que haya una relación ontológica hace que la obra sea la interpretación del mundo. 

ESTETICA DEL ARTE

 La estética es definida como el sentimiento que tiene un ser humano hacia lo que podríamos llamar bello o que genera un placer para el ser humano en sí mismo. Sin embargo, la misma está limitada a ciertos componentes que los define tanto el ser humano, la naturaleza como la vida propia, en sí según la concepción o el concepto, juicio y valor que le puede otorgar una persona a determinado proceso. 

La estética puede basarse en aquellos proceso que pueden o no ser vivenciales y que generan un placer en el ser humano. No obstante, es importante describir que es lo que genera el placer en un ser humano para ser objetivos, con ello, cada individuo tiene una percepción acerca de lo que puede visualizar dentro de su entorno, pero es allí donde podemos ver cosas que no son tan agradables a la vista del ser humano y aun así generan un placer después de conocerlas.

Lo artístico 

Cuando abarcamos ciertas obras que pueden ser o no catalogadas como bellas, podríamos hablar indiscutiblemente en como toda obra tiene un mensaje. Sin embargo, dentro de ella hay elementos que la puede hacer estéticamente bellas y es aquí cuando podríamos tocar el tema de la metafísica y todas aquellas sensaciones que nos pueden llevar a percibir algo de una forma subjetiva. 

Para Kant era muy importante el valor de la obra completa en sí, ya que no se tiene que presentar ningún tipo de visión en donde un elemento de la obra sea o no más importante, y que de esa forma perdería su esencia. 

Es importante, rescatar que kant habla de la estética de lo feo en donde puede centrar su trabajo en todas aquellas obras que plasman la realidad de una forma totalmente real y no imaginativa y todo lo que puede llegar percibir alguien como feo debido a que afecta de manera negativa su percepción. 

Lo extra-estetico 

Hace alusión a todo aquello que se encuentra fuera nuestro alcance, es decir, a todos los procesos metafísicos que abarquen componentes de valor cultural, ideológico en donde nuestra razón tiene algunos límites que no podemos dejar sobrepasar, pues es allí donde se generan procesos mentales en donde no está implícita la experiencia como eje fundamental de lo que percibimos. 

Para Kant es importante abordar estos proceso de una forma en la cual no se dogmaticen ciertos procesos a nivel humano. En donde también juega un papel importante el juicio de valor que nosotros le damos a esos componentes para poder diferenciarlos y saber que podríamos o no llamar arte. 

CATEGORÍAS DE LO ESTÉTICO 

Las categorías de la estética se basan en la gama central de lo que podríamos llamar bello. 

1. LO BELLO Y LO FEO

La belleza catalogada como el acercamiento entre lo bueno y lo malo y la sensación de placer que puede evocar. 

Para luego de ello abordar lo feo donde se aborda en un inicio dentro del amito teórico de una manera no tan amplia. Sin embargo, se afirma que la pintura puede traducir la fealdad, pero como arte no puede dejarla visualizar, ya que es importante buscar aquello que esté estrechamente relacionado con el placer. 

Para la fealdad, el asco es uno de los aspectos que no es posible cambiar. Es aquí donde podemos ahondar en la estética de lo feo como el estudio del mal y así como escritores como Dante que nos coloca imágenes fuertes una manera sensible, mostrándonos que el infierno no solo es ético ni religioso, sino también estético, ya que lo feo es inseparable del concepto de lo bello. 

Para los artistas es importante pasar por lo feo para manifestar la idea desde su forma más real y supone la naturaleza que puede ser negativa. 

2. LO TRÁGICO Y LO CÓMICO

El arte necesita lo feo para una comprensión completa el mundo, puesto que permite visualizar una visión real más sensible y se necesita lo feo para producir lo cómico, porque lo feo experimenta transformaciones. 

Lo cómico extirpa el elemento repugnante, y puede ser bello no solo por lo positivo, sino por la armonía estética y una doble negación, ya que puede haber una infinita serenidad y la conciliación dentro del arte es lo que podríamos abordar como la risa.  

Hace referencia así a todo lo grotesco o de cierta manera fantasiosa, pero que nos muestra una realidad por el hecho de que profundiza en las facetas del hombre y la sociedad en sí misma.

Por otro lado, tenemos lo trágico que evoca los sentimientos y percepciones de algo que pueden ser sucesos inesperados, donde hay hechos terribles y sangrientos. 

3. LA NATURALEZA Y LO PROFUNDO 

En la naturaleza se pueden identificar lo feo dentro las formas animales, considerando la protección de la vida y la especie, es por eso que la naturaleza hace formas feas de manera constituciones, generando elementos y juicios estéticos y aborda también la concepción o comunicación con lo divino su reflexión. 

Lo bello y lo sublime 

Podemos decir de manera simplista que lo bello y lo sublime, según Kant, corresponden a la armonía o al antagonismo de dos facultades: el entendimiento y la imaginación. El sentimiento de lo bello proviene de una armonía pura entre estas dos facultades, mientras que lo sublime resulta de un conflicto que las opone.

AXIOLOGÍA DEL ARTE

 

  𝓐𝓧𝓘𝓞𝓛𝓞𝓖𝓘𝓐

Ahora, si evidenciamos la clasificación de los valores en nuestra vida cotidiana, podemos realizar una jerarquía de los mismos, para de esta forma determinar cuáles son primordiales para nuestro diario vivir. Sin embargo, es importante tener en cuenta que es allí donde se encuentran ciertas crisis de valores porque dependiendo la situación y el contexto, el ser humano sería capaz de reemplazarlos. 

Ahora, si evidenciamos la clasificación de los valores en nuestra vida cotidiana, podemos realizar una jerarquía de los mismos, para de esta forma determinar cuáles son primordiales para nuestro diario vivir. Sin embargo, es importante tener en cuenta que es allí donde se encuentran ciertas crisis de valores porque dependiendo la situación y el contexto, el ser humano sería capaz de reemplazarlos.

 

 

Por otro lado, debido a que en el arte no solo se aprecia la belleza, lo estético y ciertas valoraciones, sino como un ente donde se genera la expresión del ser humano en todo el sentido de la palabra.  

Ella también nos permite, mirar la realidad de otro ser humano y lo que piensa, valora e imprime para la población como bueno o malo.         

Filosofía y sociedad. 

¿Cuál es su valencia social? 

 

Su valencia social se basa en todo aquello que la persona, el objeto, percibe bien, sea desde el ámbito externo o interno y el valor que le da a cada cosa, para ello es importante rescatar el objeto que es todo aquello en donde la persona le da el valor a la forma y la esencia misma, es decir todo aquello que conforma un individuo, no solo tomando como centro primordial su exterior sino también su alma.

 

Por otro lado, tenemos el subjetivismo en donde el valor depende de una elección del ser humano que puede ser individual o colectiva y lo realiza por medio de aquello que le genero un mejor provecho y tranquilidad en el momento de realizarlo, ósea todo aquello que sea más provechoso.

 

¿A qué se refiere la ética en el arte?

 

La ética del arte capta toda aquella forma estética y bella de poder expresar la vida misma dentro de ciertos ámbitos de las artes, dando como resultado una comunicación asertiva del individuo hacia sus pensamientos, motivaciones y los juicios y valores dentro de lo que el ser humano cataloga como bueno o malo.                                                           

ONTOLOGIA DEL ARTE

 Filosofía del arte 

Se entiende como el arte científico que por amor a la sabiduría busca personal y profesionalmente las principales verdades del todo.

ONTOLOGÍA 

Es aquella que se encarga del estudio del ser desde la abstracción absoluta de aquello que un individuo puede percibir como objeto determinado. Es por ello que debido a que inicia desde el ser, se puede abarcar un amplio camino para poder descifrar de una forma más amplia, porque algo sigue siendo igual a través del tiempo dependiendo de la percepción humana. Puede catalogarse también como un fenómeno en donde se identifica las relaciones abstractas y la realidad como la existencia o no de determinados entes. 

Para hablar de filosofía del arte podemos también de cierta forma abarcar distintas preguntas que nos pueden ayudar a llegar a una conclusión de como el ser es un papel fundamental dentro del arte y como esta práctica nos lleva a experimentar distintos medios de transformación. 

PREGUNTAS PROBLEMA 

- ¿Cuál es la naturaleza del arte?

Si abarcamos esta pregunta dentro de lo que nos plantea la filosofía del arte, podemos aportar que la misma empieza a través de procesos donde se implementa la belleza y la estética. Pero, no desde un plano de cumplimiento de algunos ideales, sino el de sensaciones y sentimientos que nos permiten llegar a ciertos puntos de emoción en la vida cotidiana. 

Para ello podríamos recalcar como el arte está implícitamente permeado de lo que somos y hace parte la filosofía, ya que al ser todos los aspectos estéticos a través de las manifestaciones artísticas, en ocasiones las mismas nos llevan a ciertos estados distintos, a lo cotidiano; como ejemplo, cuando una persona sale de ver una obra de teatro no es la misma que cuando entro, porque según lo que vio su percepción y manera de ver las cosas puede cambiar y por consecuencia también su ser. 

Por otro lado, también encontramos 3 elementos que son importantes dentro de lo que podríamos llamar la naturaleza del arte y son: 

El RITO: Se considera rito a los actos, lugares y acontecimientos donde se pueden presenciar ciertas cosas específicamente. Sin embargo, si lo desglosamos dentro de lo que llamaríamos arte, podemos abordar todos aquellos espacios, actos o acciones que tiene un tiempo determinado, o sea un inicio y un fin en donde el individuo puede sentir distintas emociones en ese lapso que podríamos denominar la puerta del tiempo. Ej. Un recital de música. 

ETHOS: Puede definirse como la poesía, ya que para poder desarrollarla es necesario acudir a un sentimiento. Como sabemos, los seres humanos necesitamos de un sentimiento y de las artes que nos instruyen, pero también nos cambian, esto se debe al proceso de emociones o el rango de emocionalidad que maneja un individuo cada vez que tiene la oportunidad de hacer un presenciar un acto artístico. 

Es importante recalcar como las civilizaciones más importantes han utilizado las artes como entes para revolucionar el comportamiento humano, si no solo observemos lo que sucede dentro de nosotros al escuchar música. 

CATARSIS: Proceso en el cual el ser examina como está interiormente y que lo hace comportarse de ciertas formas ante las situaciones presentadas, nos ayuda a levantar la conciencia, examinarnos y saber como estamos y eso es precisamente lo que hace el arte. 

- ¿Cómo se definen sus presencias?

Se definen por medio de rangos de emoción o procesos emocionales que evidencia el ser, a través de como puede observar la realidad que lo rodea, experimentando de esta forma un proceso de sensaciones que pueden representar su objetividad ante ciertas situaciones. 

Esto se debe a que cada cosa que vemos o que nos rodea tiene una lógica causal en donde la ética y la estética de un individuo juegan un papel importante. 

También podríamos hablar de manera estrecha como los vínculos con los otros seres humanos son gestados en el océano de nuestra mente y pueden ser cuantitativamente más inferiores los momentos que tengamos con ellos que los episodios que se reproducen en nuestro cerebro. Es por ello que si queremos hablar de las presencias podríamos recurrir a los episodios, sensaciones o momentos que gestamos relacionándonos con otros y como estos nos transforman. 

Ahora, si hablamos del papel del arte, podríamos hablar de las presencias que puede no ser simplemente el hecho de una deidad más allá de nosotros, sino también de todos los procesos que podemos presenciar de catarsis con el solo hecho de realizar una práctica artística. 

El arte ha generado un gran impacto como presencia dentro de los procesos del ser humano, ya que puede influenciar en las emociones del ser humano por medio de la música, la poesía, la danza, la pintura y el teatro, para transformar la realidad. 

- ¿Cómo se origina el arte?

Se origina con el nacimiento de las estructuras y como verlas de distintas formas. No obstante, si bien desde los tiempos remotos el ser humano ha intentado hacer ver sus manifestaciones en la antigüedad no eran vistas como arte, porque hasta el momento no había un concepto de ello, pues lo que único que podíamos observar eran las artesanías que en su momento no eran arte sino trabajo. 

Es así como podemos abogar que las artes se originan en la población occidental, donde gracias al renacimiento en los siglos XVII Y XVIII se logra clasificar una percepción de lo que es y no es arte. Esto por consecuencia crea el medio estético por el cual se puede o no catalogar una obra y es allí donde se separa la artesanía del arte. 

En el siglo XIX llegan las grandes máscaras y arte se expande, ya que ellas revolucionan el concepto y también se presenta el arte por medio de la música y el teatro como parte de ello. Más adelante, en el siglo XX surgen los movimientos sociales con una percepción distinta, limitando un poco el arte y regresando nuevamente a lo primitivo; por consecuencia, también aparecen las obras de teatro como la Antígona de Sófocles, donde se evidencia cierta realidad. 

Podemos percibir de igual manera como las obras de los santos juegan un papel importante y se empiezan a crear técnicas que solidifican el concepto del arte. Partiendo para ello así también de los años 60 en donde se presenta una ruptura, ya que en aquel momento no se podía hablar de historia del arte y el artista por consiguiente le es posible dejar los límites creativos y romper las barreras estándar donde un poco más adelante el espectador puede intervenir en la obra y no solo ser un observador pasivo. 

Para este momento el artista puede exponer sus emociones y dejar ver no solo su realidad sino la de una sociedad entera y es así como se genera la democratización de lo moderno.